Die Arbeiten von Daniel Arsham basieren auf seinem Konzept der fiktionalen Archäologie. Als Künstler, der in den Bereichen Skulptur, Architektur, Zeichnung und Film arbeitet, erschafft er Räume und Situationen, in denen er das inszeniert, was er als die zukünftigen Relikte der Gegenwart beschreibt.

Diese Werke werden meisterhaft aus Materialien wie Sand, Selenit oder vulkanischer Asche gefertigt, sodass sie wirken, als seien sie nach Jahrhunderten der Vergrabung erst kürzlich entdeckt worden. Die meisten Objekte, die er in Stein verwandelt, sind klassische und ikonische Alltagsgegenstände des 20. Jahrhunderts.

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Die Serie Future Relic, die zwischen 2013 und 2018 produziert und herausgegeben wurde, umfasst beispielsweise neun verschiedene Skulpturen: ein Mobiltelefon der ersten Generation, eine Kamera mit Objektiv, einen Nadelwecker, eine Audiokassette mit Magnetband, ein Festnetztelefon mit Tasten, eine Polaroid-Kamera, einen Kassettenrekorder, ein Radio sowie ein Synthesizer-Keyboard. Alle Skulpturen erscheinen in einer Auflage von 500 Exemplaren und bestehen aus Gips mit Einlagen aus Glassplittern. Das entwickelte Herstellungsverfahren hat die Besonderheit, dass jedes Werk ein Unikat ist – insbesondere, weil die Erosionsspuren bei jeder Skulptur unterschiedlich ausfallen.

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Bei all seinen Arbeiten legt Daniel Arsham großen Wert auf den Entstehungsprozess. Trotz der scheinbaren Einfachheit ist das Ergebnis das Produkt intensiver Arbeit. Tatsächlich kann mehr als ein Jahr zwischen der ersten Zeichnung und dem fertigen Werk vergehen. Zu Beginn ist eine lange Phase der Forschung und Entwicklung notwendig, um die richtige Kristallisationstechnik festzulegen und die perfekte Textur zu erzielen. Viele seiner Werke bestehen aus geologischen Materialien wie vulkanischem Gestein oder Quarz. Anschließend wird der erste Entwurf in Gips umgesetzt, bevor er in die endgültige Skulptur verwandelt wird. Manche Projekte erweisen sich als nicht realisierbar und müssen aufgegeben werden – ein Prozess, der für Arsham zugleich eine Möglichkeit darstellt, die Grenzen der künstlerischen Schöpfung zu hinterfragen.

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Wie weit ist er bereit zu gehen für ein Werk, das ihm am Herzen liegt? Wann entscheidet er zwischen der Bedeutung seiner Kreation und der für ihre Umsetzung notwendigen Zeit? In seiner Ausstellung Paris 3020 ging der Künstler noch einen Schritt weiter. Um lebensgroße Reproduktionen ikonischer Skulpturen wie der Venus von Milo oder des sitzenden Moses von Michelangelo zu schaffen, arbeitete er eng mit der Gipsformerei der Réunion des Musées Nationaux (RMN) zusammen. Mit Quarz, Gipszement und blauer Kalzit verwendete Arsham dieselben Materialien wie in der klassischen Bildhauerei, ergänzte sie jedoch um seine persönliche Handschrift der Kristallisation. Das Ergebnis: Er hauchte dem Vergangenen neues Leben ein und projizierte seine eigene Vision, indem er die Grenzen zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft auflöste.

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Entwicklung des Marktwerts von Daniel Arsham

Daniel Arshams limitierte Skulpturen, insbesondere die Future Relics, gewinnen im Laufe der Zeit kontinuierlich an Wert – im Durchschnitt um etwa 10 % pro Jahr, bei den begehrtesten Werken sogar noch deutlich mehr. Die Future Relics-Serie ist hierfür ein besonders anschauliches Beispiel: Die im Jahr 2015 veröffentlichten Werke wurden ursprünglich für weniger als 500 € pro Stück verkauft, während die meisten Exemplare heute Preise von nahezu 5.000 € erzielen.

Was seine Auktionsergebnisse betrifft, wurde sein bisher höchster Zuschlag 2019 bei Phillips in Hongkong erzielt. Dabei handelte es sich um die Skulptur Quartz Eroded Vogue Magazine, die für 300.000 € versteigert wurde. Dieses großformatige Werk mit den Maßen 1,50 m × 1 m interpretiert ein Cover des berühmten Modemagazins Vogue in Arshams charakteristischer „Eroded“-Ästhetik neu.

Es ist außerdem hervorzuheben, dass nahezu alle großformatigen Skulpturen des Künstlers – sowohl Unikate als auch Originalwerke – von renommierten Galerien wie Perrotin zu Preisen zwischen 500.000 € und 1 Million € verkauft werden. Da diese Arbeiten noch vergleichsweise neu sind, erscheinen sie bislang kaum auf Auktionen. Es ist jedoch sehr wahrscheinlich, dass in weniger als fünf Jahren, wenn sie zunehmend auf dem Sekundärmarkt gehandelt werden, neue Rekorde erzielt werden und der Marktwert des Künstlers weiter deutlich steigen wird.

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Fälschungen und Authentizität

Daniel Arshams einzigartiges und technisch äußerst anspruchsvolles Verfahren der lokalen Erosion stellt eine erhebliche Hürde für Fälscher dar. Entsprechend existieren nur sehr wenige Kopien auf dem Markt, und diese sind in der Regel grob ausgeführt und leicht zu identifizieren.

Alle Werke werden mindestens in ihrer originalen Spezialverpackung ausgeliefert und mit einem Echtheitszertifikat versehen. Die ersten Future Relics (2013–2016) wurden mit einer Zertifikatskarte geliefert, auf der die Editionsnummer vermerkt war; teilweise enthielt diese zusätzlich ein Sicherheitshologramm. Seit 2020 versieht Arsham Studio sämtliche Werke systematisch mit einem manipulationssicheren Sicherheitshologramm, das die Editionsnummer enthält. Einige Arbeiten verfügen sogar über ein nummeriertes und vom Künstler handschriftlich signiertes Zertifikat.

Grafische Arbeiten wie Siebdrucke, Lithografien und ähnliche Drucktechniken werden von Daniel Arsham mit Bleistift signiert und nummeriert und zusätzlich mit einem Echtheitszertifikat (COA) samt Hologramm ausgeliefert.

Zusammenfassend lässt sich sagen: Eine Skulptur sollte niemals ohne ihre Originalverpackung erworben werden.

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Die beliebtesten Werke von Daniel Arsham

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Falling Clock: Die Materialisierung der kollabierenden Zeit

Zu den bekanntesten Bildmotiven von Daniel Arsham zählt zweifellos die Serie Falling Clock. Diese Uhren scheinen sich unter ihrem eigenen Gewicht zu verformen, langsam an einer Wand herabzugleiten oder zu verflüssigen, bis sie ihre ursprüngliche Funktion verlieren: die Zeit zu messen.

Das Werk reiht sich in eine lange künstlerische Tradition ein, die sich mit der Darstellung der Zeit auseinandersetzt, und erinnert zugleich unmittelbar an das Erbe des Surrealismus sowie an die berühmten weichen Uhren von Salvador Dalí. Arsham verfolgt jedoch einen anderen Ansatz. Während Dalí die subjektive und psychologische Dimension der Zeit darstellte, versucht Arsham, ihre physische Materialität sichtbar zu machen.

In Arshams Universum wirkt die Zeit wie eine geologische Kraft, die in der Lage ist, Objekte und Architekturen zu verformen. Die Uhr ist nicht länger ein Instrument zur Zeitmessung, sondern wird selbst zum Opfer des Phänomens, das sie ursprünglich kontrollieren sollte.

Dieses Werk stellt zugleich eine hervorragende Einführung in Arshams gesamtes künstlerisches Schaffen dar: Zeit ist bei Arsham niemals abstrakt, sondern besitzt eine greifbare Präsenz, die Materialien verändert und Alltagsgegenstände in Relikte einer anderen Epoche verwandelt.

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Future Relics: Die archäologischen Überreste unserer Gegenwart

Die Serie Future Relics bildet vermutlich das konzeptionelle Zentrum von Daniel Arshams Werk. Der Künstler entwirft darin die Vorstellung einer fernen Zukunft, in der unsere Zivilisation verschwunden ist und Objekte hinterlassen hat, die für zukünftige Generationen unverständlich geworden sind.

Mobiltelefone, Kameras, Radios, Tonbandgeräte, Kassettenrekorder oder Spielkonsolen erscheinen dabei als Artefakte, die im Rahmen imaginärer archäologischer Ausgrabungen freigelegt wurden.

Diese Objekte werden in der Regel durch Materialien wie Quarz, Selenit, Vulkanasche oder zerstoßenes Glas transformiert. Die Oberflächen wirken von Erosion angegriffen, während Kristalle aus den Hohlräumen hervortreten, als hätten geologische Prozesse die Materie über Jahrhunderte hinweg langsam durchdrungen.

Die besondere Wirkung dieser Serie liegt in der Irritation, die sie beim Betrachter hervorruft. Wir erkennen die dargestellten Objekte sofort wieder, doch ihr Zustand zwingt uns dazu, sie als Zeugnisse einer verschwundenen Zivilisation zu betrachten.

Diese zeitliche Umkehrung wirft mehrere grundlegende Fragen auf: Welche Objekte werden in mehreren Jahrhunderten von unserer Epoche erzählen? Welche Technologien werden die Obsoleszenz überdauern? Welche Symbole werden zukünftigen Archäologen helfen, unsere Lebensweise zu verstehen?

Mit Future Relics verwandelt Arsham unsere Gegenwart in eine mögliche Vergangenheit.

Diese Serie gehört heute zu den begehrtesten Arbeiten unter Sammlern.

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Eroded Porsche 911: Das Automobil als kulturelle Ikone

Automobile nehmen in Daniel Arshams Universum eine besondere Stellung ein, und keines ist ikonischer als der Porsche 911.

Der Künstler betrachtet das Auto nicht als bloßes Transportmittel, sondern als kulturelles Objekt, vergleichbar mit antiken Skulpturen oder architektonischen Meisterwerken. Der Porsche 911, mit seiner sofort erkennbaren Silhouette und seinem mythischen Status in der Geschichte des Industriedesigns, wird in seinen Händen zu einer echten zeitgenössischen Reliquie.

In seinen erodierten Skulpturen scheinen Teile der Karosserie durch die Wirkung der Zeit verschwunden zu sein, wodurch mineralische Hohlräume oder kristalline Formationen sichtbar werden. Das Automobil erscheint dadurch als Objekt, das nach Jahrhunderten der Verschüttung ausgegraben wurde.

Diese Transformation verändert unsere Wahrnehmung des Autos grundlegend. Aus einem Konsumobjekt wird ein historisches Kulturerbe. Industriedesign tritt in den Bereich der Archäologie ein.

Die Wahl des Porsche 911 ist dabei keineswegs zufällig. Nur wenige Fahrzeuge besitzen eine derart starke visuelle Identität und die Fähigkeit, über Jahrzehnte hinweg ihren ikonischen Charakter zu bewahren. In diesem Sinne ist er das ideale Objekt für eine Reflexion über kollektives Gedächtnis und kulturelle Weitergabe.

Diese Werke gehören heute zu den begehrtesten und spektakulärsten Arbeiten des Künstlers.

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Hollow Mickey: Die Dekonstruktion einer globalen Ikone

Mit Hollow Mickey überträgt Daniel Arsham seine formale Bildsprache auf eine der weltweit bekanntesten Figuren der Popkultur.

Die berühmte Figur erscheint von innen ausgehöhlt, teilweise erodiert oder von Materialverlusten durchzogen, wodurch der Eindruck entsteht, dass die Zeit ihre Struktur allmählich zersetzt hat.

Die Wahl dieser Figur ist besonders aufschlussreich. Mickey Mouse gehört zu den am weitesten verbreiteten kulturellen Ikonen der modernen Geschichte. Ihr Bild ist auf allen Kontinenten bekannt und begleitet seit fast einem Jahrhundert mehrere Generationen.

Indem Arsham sie in ein archäologisches Relikt verwandelt, stellt er eine faszinierende Frage: Wie werden zukünftige Zivilisationen die Symbole unserer Zeit interpretieren?

Die Figur gehört damit nicht länger ausschließlich zur Unterhaltungswelt, sondern wird Teil des universellen Kulturerbes – vergleichbar mit griechischen Skulpturen oder zeremoniellen Masken antiker Zivilisationen.

Das Werk hinterfragt zudem das Konzept des kollektiven Gedächtnisses. Bestimmte Bilder scheinen eine Form kultureller Unsterblichkeit zu erlangen, die weit über ihren ursprünglichen Entstehungskontext hinausreicht.

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Crystallized Pikachu: Wenn Popkultur zur Archäologie wird

Die Pikachu darstellenden Skulpturen gehören wahrscheinlich zu den beliebtesten Werken von Daniel Arsham beim breiten Publikum.

Die berühmte Figur erscheint in Form einer Skulptur, die teilweise von Kristallen überwuchert ist, als hätten sich über Jahrhunderte geologischer Entwicklung ihre ursprünglichen Materialien allmählich verändert.

Die Verbindung zwischen dem Pokémon-Universum und Arshams fiktionaler Archäologie erweist sich als besonders stimmig. Die in den 1990er-Jahren erschaffenen Kreaturen sind längst zu globalen kulturellen Referenzen geworden, die von mehreren Generationen erkannt werden.

Indem Arsham Pikachu als eine in ferner Zukunft entdeckte Reliquie präsentiert, unterstreicht er die Geschwindigkeit, mit der Objekte der Popkultur den Status eines kollektiven Kulturerbes erlangen können.

Das Werk stellt zudem die Frage nach der Stellung der Popkultur in der Kunstgeschichte. Warum sollte eine antike Statue bewahrenswerter sein als eine Figur, die die Vorstellungskraft von Hunderten Millionen Menschen weltweit geprägt hat?

Diese Serie veranschaulicht eindrucksvoll Arshams Fähigkeit, die traditionellen Grenzen zwischen Hochkultur, Massenkultur, Kunstgeschichte und zeitgenössischem Design aufzulösen.

Sie hat maßgeblich dazu beigetragen, sein Werk einem deutlich breiteren Publikum bekannt zu machen als nur Sammlern oder Liebhabern zeitgenössischer Kunst.

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Bronze Eroded Bust of Rome Deified as Cybele: Imperiale Erinnerung im Wandel der Zeit

Mit Bronze Eroded Bust of Rome Deified as Cybele setzt Daniel Arsham seinen Dialog mit der griechisch-römischen Skulptur fort und vertieft zugleich seine Reflexion über die Beständigkeit politischer und kultureller Symbole.

Das Werk ist direkt inspiriert von antiken Darstellungen der Cybele, einer zentralen Figur der antiken Mittelmeerwelt, die mit Fruchtbarkeit, Natur und dem Schutz von Städten verbunden ist. Im kaiserlichen Rom wurde die Personifikation Roms selbst gelegentlich mit den Zügen oder Attributen dieser Gottheit dargestellt, wodurch eine enge Verbindung zwischen politischer Macht und sakraler Dimension entstand.

Arsham greift diese klassische Ikonographie auf, unterwirft sie jedoch den Effekten seiner fiktionalen Archäologie. Die Büste scheint Jahrhunderte der Geschichte durchlaufen zu haben, bevor sie bei zukünftigen archäologischen Ausgrabungen entdeckt wird. Teile des Gesichts sind vollständig erhalten, während andere erodiert, fragmentiert oder durch mineralische Formationen ersetzt erscheinen.

Dieses Nebeneinander von Integrität und Verfall gehört zu den faszinierendsten Aspekten des Werks. Der Betrachter erlebt gleichzeitig die Größe des Römischen Reiches und die unausweichlichen Spuren seines Untergangs.

Die Bronze spielt dabei eine zentrale Rolle. Traditionell mit Gedenkmonumenten und Skulpturen verbunden, die über Jahrhunderte Bestand haben sollen, symbolisiert dieses Material den menschlichen Willen, der Zeit zu widerstehen. Doch bei Arsham gibt selbst die Bronze letztlich den geologischen Kräften und der Erosion nach.

Der Künstler erinnert damit daran, dass alle Zivilisationen, selbst die mächtigsten, irgendwann zu Untersuchungsobjekten zukünftiger Generationen werden.

Das Werk hinterfragt zudem die Art und Weise, wie Gesellschaften ihr kollektives Gedächtnis konstruieren. Offizielle Statuen sind darauf ausgelegt, ein idealisiertes Bild von Macht und Geschichte zu vermitteln. Doch was bleibt von diesem Anspruch nach mehreren Jahrhunderten? Überdauern Monumente tatsächlich ihre Auftraggeber oder werden sie lediglich zu Fragmenten, deren Bedeutung von jeder Epoche neu interpretiert werden muss?

Durch diese Skulptur verwandelt Arsham ein Symbol politischer Dauerhaftigkeit in eine Meditation über historische Vergänglichkeit.

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Blue Calcite Eroded Venus of Arles: Klassische Schönheit neu gedacht durch Geologie

Die Blue Calcite Eroded Venus of Arles gehört zu den spektakulärsten Werken der Serie, die antiken Figuren gewidmet ist.

Das Werk greift die berühmte Venus von Arles auf, eine römische Skulptur aus dem 1. Jahrhundert n. Chr., die vermutlich auf ein griechisches Original von Praxiteles zurückgeht. Heute im Louvre Museum aufbewahrt, gilt diese Statue als eines der bedeutendsten Vorbilder weiblicher Schönheit in der westlichen Kunsttradition.

Anstatt das Original treu zu reproduzieren, unterzieht Daniel Arsham diese ideale Figur einer langsamen, imaginären geologischen Transformation.

Bestimmte Körperteile bleiben intakt, während andere durch eindrucksvolle Formationen aus blauem Calcit ersetzt zu sein scheinen. Die Kristalle treten aus der Skulptur hervor, als hätten sie über Jahrhunderte hinweg natürlich im Marmor gewachsen und dessen Oberfläche nach und nach durchbrochen.

Diese Verbindung von menschlichem Eingriff und natürlichen Prozessen gehört zu den zentralen Themen in Arshams Werk.

Die Skulptur erscheint nicht mehr als statisches Objekt, das zu einem bestimmten Zeitpunkt von einem Künstler geschaffen wurde, sondern als lebendige Materie, die sich im Laufe der Zeit weiterentwickelt. Das Werk wird fast zu einem Organismus in permanenter Transformation.

Die Wahl des blauen Calcit besitzt zudem eine starke symbolische Dimension. Die Farbe Blau verweist sowohl auf die mineralischen Tiefen der Erde als auch auf futuristische Science-Fiction-Imaginarien. Sie erzeugt einen starken Kontrast zu den weißen Marmorbezügen, die traditionell mit antiker Skulptur verbunden sind.

Dieser visuelle Gegensatz trägt zur von Arsham angestrebten zeitlichen Verwirrung bei: Antike trifft auf Zukunft, Mythologie tritt in Dialog mit Geologie, menschliche Kultur verschmilzt mit natürlichen Prozessen.

Die Figur der Venus nimmt zudem einen besonderen Platz in der westlichen Kunstgeschichte ein. Seit über zweitausend Jahren symbolisiert sie Ideale von Schönheit, Harmonie und formaler Perfektion. Durch die Einführung von Brüchen und kristallinen Auswüchsen in dieses kanonische Bild stellt Arsham subtil die Idee zeitloser Perfektion infrage.

Schönheit erscheint nicht länger als unveränderlicher Zustand, sondern als ein evolutionäres Phänomen, das sich transformieren kann, ohne seine ästhetische Kraft zu verlieren.

Dieses Werk veranschaulicht die jüngste Entwicklung in Arshams Praxis: Seine Skulpturen stellen nicht mehr nur durch Zeit erodierte Objekte dar, sondern inszenieren eine imaginäre Zusammenarbeit zwischen Künstler, Material und geologischen Kräften.

Die Blue Calcite Eroded Venus of Arles ist damit zu einem der vollständigsten Ausdrucksformen seiner künstlerischen Sprache geworden – an der Schnittstelle von Archäologie, klassischer Skulptur und spekulativer Science-Fiction.

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Die Galerie Class Art Biarritz bietet mehrere Skulpturen von Daniel Arsham an.

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Weitere Informationen über Daniel ARSHAM auf unserem Blog:
– Erodierte DeLorean-Skulptur – 10-jähriges Jubiläum!
– Wir besuchten das MOCO Museum in London

- Fünf Jahre schon: Daniel Arshams erodierter Zeus, eine zeitgenössische Ikone im Herzen von La Défense